Pour évoquer le travail de Stuart Haygarth, il faut invoquer la force de sa perception. Créateur d’exception il commence son parcours comme photographe. De 1988 à 2003, il se consacre à la production d’images en studio, il aborde la nature morte, il compose ses sujets à la manière d’un marionnettiste. Il évoque volontiers une référence à la poésie de l’artiste américain Joseph Cornell.

Sa pratique est rythmée par des images et des collages pour des couvertures de livres, pour des magazines ou pour des agences de création graphique et publicitaire. La lumière a toujours jouée un rôle primordial dans sa pensée créative, et tandis que ses projets ont fréquemment été construits autour d’objets, ses premiers travaux étaient en deux dimensions.

En 2003, il tourne la page et décide d’investir la troisième dimension. La sculpture devient alors son nouveau champ d’exploration. Avec la même méticulosité, il trace un chemin inattendu qui trouve son expression dans la récupération et l’assemblage d’objets. Naturellement la lumière qu’il sait si bien moduler vient s’associer à l’expérimentation. Le talent du photographe associé à une recherche de designer engage une production chargée de sens, une réécriture du réel.

Ses influences prennent source notamment dans l’usage que le mouvement surréaliste faisait de l’objet usuel, ou encore dans le mouvement pop et les nouveaux réalistes, ainsi que des références plus récentes encore.

Artiste ou designer, finalement peut-lui importe. Ses objets ne sont pas produits en large série ; au contraire chacune de ses éditions très limitées est précisément construite et réalisée à la main, rendant chaque pièce unique. Il fonde ses projets sur la narration, et chaque corps d’oeuve révèle une observation singulière. Avec Sharp Project 2003-2006) il se réapproprie les objets confisqués à l’embarquement des vols de la compagnie British Airways, l’iconique Tide Chandelier (2005) exprime sa volonté de réutiliser les objets de plastique cassés et rejetés sur la plage après les marées à Dungeness.

Le « work in progress » file selon une méthode bien précise. Il collectionne, classe les pièces d’un grand puzzle en 3D fondé sur le choix et l’assemblage. Le matériau qu’il soit kitsch, cassé, ramassé prend la forme d’un répertoire organisé sous deux entrées, la couleur et la fonction.

Son intérêt pour les objets négligés, les objets trouvés, se justifie par l’envie de leur donner une nouvelle vie, une nouvelle histoire. Cette pensée évolutionniste hybride et transversale, alliée à la lumière, métamorphose paradoxalement le banal, en lustres, pièces de mobilier et installations, tous
extraordinaires et précieux. L’exposition à Carpenters Workshop Gallery présente notamment nouvelle série de pièces sous le titre de Play, jalon d’une nouvelle direction dans son travail.

A PROPOS DE CARPENTERS WORKSHOP GALLERY

Carpenters Workshop Gallery transcende les catégorisations classiques en termes d’art et de design. Sa proposition se situe précisément à la croisée des deux univers : la galerie opère une symbiose entre art et design.

Carpenters Workshop Gallery produit et expose des « sculptures fonctionnelles » créées par des artistes ou des designers sortant de leurs territoires d’expression traditionnels. La galerie accompagne et représente des artistes et designers internationaux émergents et établis.

Carpenters Workshop Gallery s’implique activement dans la recherche et la production des oeuvres qu’elle expose en édition limitée. Les choix de la galerie sont guidés par la recherche d’une pertinence émotionnelle, artistique et historique ; une pertinence qui apparaît comme une évidence.